Отражая истинную душу народа, они дошли до нас из глубины веков. Простые и незамысловатые, затейливые и шуточные, сохраняя традицию дедов, народные промыслы продолжают удивлять нас своей неизбывной природной жизнерадостностью, искренностью и теплом талантливых рук…
Хохлома
Одна из самых узнаваемых, Хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Готовые изделия крестьяне привозили на ярмарку в деревню Хохлома Семеновского уезда Нижегородской губернии, откуда и пошло название промысла. Изначально мастерами были старообрядцы, сосланные в Заволжье. Хранители секретов тонкого живописного мастерства – иконописи, каллиграфии свободного кистевого письма, они привезли с собой на Волгу древние образцы живописных орнаментов. Для создания рисунка использовались красный, желтый, оранжевый, зеленый и голубой цвета. Щедро прокрашенные золотой краской сочные красные ягоды рябины и земляники, причудливые цветы и ветви, птицы, рыбы и звери, нарисованные на традиционном черном фоне, обычно украшали предметы домашней утвари, мебели и деревянной посуды. Финишной отделкой был лак. Обладателями колоритных Хохломских деревянных ложек, тарелок, солонок, сахарниц, детских игрушек, табуретов, столиков и стульев и сегодня стремятся стать не только наши соотечественники, но и жители других стран.
Палех
Искусство Палехской лаковой миниатюры получило свое развитие в поселке Палех Вязниковского уезда Владимирской губернии (ныне Палехский район Ивановской области). Родоначальниками стиля являются Иван Голиков и Александр Глазунов, которые в 1918 году основали Палехскую художественную декоративную артель. Представленные мастерами шкатулки, ларцы, брошки, игольницы, пепельницы, заколки для галстука, кубышки и панно с росписью на сюжеты из русских народных сказок, легенд, песен, произведений классиков и народного быта впервые восхитили зарубежную публику на Всемирной выставке в Париже в 1925 году. Рисунок Палеха – всегда авторская работа и нарочито вытянутые в объеме изящные фигуры людей и животных – отголосок старообрядческой иконописности – выполненные цветными красками на традиционно глухом черном фоне. Темный фон Палехских шедевров символизирует тьму, из которой в процессе кропотливой и сложной работы рождается жизнь и цвет. Покрытые лаком и искусно украшенные паутинкой золотой штриховки рисунки создают непередаваемое ощущение сказочности. Палех до сих впечатляет людей своей особой духовной глубиной и невероятно востребован во всем мире.
Городец
Этот русский народный художественный промысел зародился в середине XIX века в Поволжье, в деревнях Нижегородской губернии, расположенных неподалеку от крупного села под названием Городец. В Городце проходили ярмарки, на которые из окрестных сел мастера везли раскрашенные веселой сюжетной росписью прялки, предметы утвари, детскую мебель, сундуки, дуги, сани, ставни, двери. Выполненная свободным мазком с тончайшей белой и черной графической обводкой, яркая и лаконичная, городецкая роспись отображала различные жанровые сцены из жизни горожан, быта крестьян, купечества, представляя пышный парад народного костюма, удивляла сказочными образами зверей и птиц – коней, петухов, экзотических львов и барсов, причудливыми растительными, в основном цветочными, узорами. Любимыми фонами городецких мастеров были ярко-зеленый, алый красный, глубокий синий, «бархатный» черный. Изысканное городское искусство, Городец и сейчас украшает дома любителей народных промыслов – как наших соотечественников, так и жителей зарубежья.
Полхов-Майданская роспись
Место рождения Полхов-Майданской росписи – юг Нижегородской области. Ремесло возникло сто лет назад на базе токарного промысла 20-х годов прошлого века нижегородских сел Полховский Майдан, Вознесенское и Крутец, где мастера изобильно расписывали деревянных матрешек, пасхальные яйца, грибы, солонки, кубки, подставки, которые создавались местными токарями. Изделия украшали сочной орнаментальной и сюжетной росписью в четыре цвета – зеленый, синий, желтый и красный, среди живописных мотивов встречались цветы, птицы, звери, сельские и городские пейзажи. Роспись имела устоявшиеся местные названия: «цветы с обводкой» – все объекты на рисунке очерчены черным контуром; «цветы без обводки» – не имеют линейного контура; «под масло» – изделия расписывались масляными или нитрокрасками по сплошному цветному фону, «пестрение» – кистевая роспись мазками или точками. Уникальный промысел продолжает развиваться по естественным законам народного искусства: с начала восьмидесятых полховские мастера наносят традиционный цветочный орнамент на обожженный паяльной лампой фон, используя в росписи сюжеты современных событий.
Жостово
Промысел расписных подносов возник на уральских заводах Демидовых в XVIII веке и позже развился в Подмосковье, в деревне Жостово в 1825 году. Здесь была основана мастерская братьев Вишняковых, которая спустя век, в 1928 году, преобразовалась в артель «Металлоподнос». В 1960 году в селе заработала Жостовская фабрика декоративной росписи. Круглые, овальные, прямоугольные, восьмиугольные со скругленными краями, невероятно яркие жостовские подносы, серийные и эксклюзивные, выпускались как для декоративных целей, так и для бытовых – для подачи блюд на стол и как подставка под самовар. Каждое изделие украшает яркая роспись в стилистике классической живописи – пышный букет из крупных садовых и мелких нежных полевых цветов, написанный точными и щедрыми мазками на черном, красном, синем, зеленом или серебряном фоне. Для росписи используются авторские рисунки – в разные годы на фабрике трудились заслуженные художники РСФСР и РФ, их работы наравне с шедеврами мастеров прошлого – А.И. Лезнова, И.С. Леонтьева, Д.С. Кледова, Н.П. Антипова, Е.П. Лапшина – являются национальным достоянием России. Процветает Жостово и сегодня: покупают авторские работы Михалковы-Кончаловские, Ирина Винер-Усманова и другие знаменитости, большие партии товаров закупает Китай. У предприятия расширился ассортимент – сейчас фабрика изготавливает самовары и авторскую елочную игрушку. Сами жостовцы, коих на современном производстве всего 40 человек, говорят, что Жостово всегда в моде и будет смотреться даже в интерьере лофта.
Абрамцево-Кудринская резьба
Все началось с открытия столярно-резчицкой мастерской для крестьянских детей, организованной в имении Саввы Мамонтова в селе Абрамцево. В мастерской учились резчики из окрестных сел, работали знаменитые русские живописцы Васнецов и Поленов. Сестра Поленова Елена Дмитриевна заведовала школой. Изделия школы-мастерской – мебель, шкатулки, полки, аптечки, пеналы – выполнялись в модном «русском стиле». Именно этот стиль подхватил и развил один из выпускников Абрамцево – Василий Вороносков, который в 1887 году вместе с сергиевопосадскими мастерами и братьями создал небольшое производство у себя в доме в родной деревне Кудрино (4 км от Абрамцево). Здесь создавали анималистическую скульптуру, предметы быта, настенные панно, свои шкатулки, ковши, ларцы, шкафчики Вороносковы украшали образами экзотических зверей – тюленей, верблюдов, рыб и птиц модерна, растительными орнаментами. Изделия отличались способом отделки – протравой морилками разных оттенков, от темно-коричневого до золотистого, и полировкой. Команда мастеров выполняла сложнейшие заказы, такие как монументальный портал «Пограничники» для Третьяковской галереи и обширная коллекция резных изделий для Международной выставки в Париже в 1937 году, позолоченные сень и рака для Елоховского собора в 1948 году. Сейчас центр промысла находится в городе Хотькове, где действуют фабрика резных художественных изделий и художественно-промышленный колледж им. В.М. Васнецова.
Шемогодская прорезная береста
Самый известный берестяной промысел в России – Шемогодский – известен ныне даже за границей. Название свое он получил от речки Шемоксы, что впадает в Северную Двину ниже Великого Устюга, и процветал в городе Великий Устюг в конце XVIII – начале XIX века. К 1882 году в деревне Курово-Наволок Устюжского уезда Шемогодской волости работало 168 мастеров. «Берестяным кружевом» – изящным растительным орнаментом они украшали шкатулки, коробочки, чайницы, пеналы, туеса, блюда, тарелки, портсигары, перчаточницы, пресс-папье. Береста на темном или золотистом фоне выглядела как дорогой материал – кожа, ценное дерево. Традиции Шемогодской бересты сберегли резчики деревни Курово-Наволок, в 1918 году объединившиеся в артель «Художник», а в 1934-м – в артель «Солидарность». Устоял промысел в военные и послевоенные годы – берестяные Шемогодские изделия продолжал выпускать цех резьбы при «Шемогодском мебельном комбинате», но в 1964 году производство было закрыто. В 1967 году при «Кузинском механическом заводе» был создан цех по изготовлению шкатулок, туесов и других изделий из прорезной бересты. В 1981 году художественно-производственный комбинат «Великоустюжские узоры» продолжил традиции ажурной берестяной Шемогодской вязи, благодаря чему в США до сих пор в моде берестяные шкатулки для перчаток и автоматы для папирос, в Германии ценятся Шемогодские портсигары, а во Франции поясные сумочки в русском стиле из прорезной бересты.
Вятские кружева
Историки отмечают, что ни в одной стране мира не было столь разнообразных кружев, как в России. Кружева плели в Вологде, Рязани, Калязине, Ельце, Орле, Торжке, Скопине, Мценске, Зарайске, Ростове, Галиче, Тарусе, Белозерске, Белево, Одоеве, Балахны, Тутаеве и Романове. Особенно ценились вологодское и вятское кружево, поставлявшееся царским и королевским дворам. В XVIII веке кукарским (вятским) кружевом торговали на ярмарках Самары, Саратова, Казани, Оренбурга, Астрахани, Перми, Уфы, Петербурга, через Дальний Восток вятское кружево шло в Японию и США, его покупали в Англии, Франции, Голландии, Швеции, Дании. В 1893 году в слободе Кукарке, в числе других девяти селений Вятской губернии, была организована земская школа кружевниц под руководством мастериц Мариинской школы, которая была учреждена при дворе императрицей. Ученицы вязали кружевные подзоры, шарфы, перчатки, платки, шали, жилеты, накидки, манжеты, воротнички, занавеси, покрывала, дорожки и салфетки, выплетали целые кружевные панно. Кружево плели из золотых и серебряных нитей, в льняное вплетали шелк, жемчуг, бисер, пайетки, перья, пух, мех горностая. Долгое время кружево делали по заготовкам, которые перерисовывались в городе у торговцев кружевом за средства, собранные всей деревней. Создавать самое изысканное кружево могли лишь единицы, наделенные фантазией и вкусом. Отличавшиеся невероятном разнообразием и изяществом рисунка изделия выпускниц императорской школы были нарасхват. Позднее своими работами прославились мастерицы, изготовлявшие кружево по собственным эскизам: Блинова, Анцыгина, Крупина, Песикова, Куприна. Сегодня кружево производят в основном в Кировской области на Фабрике строчевышитых и кружевных изделий «8 Марта» и в компании «Юг» в Вятских Полянах. Продукция последней – пелерины, палантины, скатерти, столешницы, сапожки и дамские сумочки – в 2010 году была представлена на 6-й выставке «Биеннале мастерства и творчества» в Лувре. Российский кружевной стенд настолько восхитил французов, что они поспешили заключить договор на поставку вятского кружева для его продажи в центре Парижа.
Вышивка
Вышивание на Руси издревле было традиционным рукоделием. Вышивкой украшались полотенца, скатерти, покрывала, свадебная и праздничная одежда, церковное и монаршее облачение. Вышивка была широко распространена в Вятской губернии, где она причудливо переплелись с традиционными орнаментами северного русского шитья. Вышивкой украшались народные женские головные уборы – кокошники, почепечники, моршени, самшуры. Мастерицы использовали косую стёжку, счетную гладь, набор, роспись. Традиционным вятским был геометрический орнамент, на севере – растительный, основными техниками для которого служили тамбурный и стебельчатый швы, сочетаемые с гладью. На рубеже ХХ века появилась вышивка крестом, ришелье, настил по сетке, мережка, гладь, ставшие настоящим символом домашнего уюта. В ХХ веке появилась машинная вышивка, которая начала вытеснять ручную. В 1920 – 1930-х годах в России вошла в моду вышитая одежда в русском стиле изо льна, и в 1936 году в Кировской сетевязальной артели приступили к освоению промыслов – вышивки, рисовки на ткани, производству декоративных вещей. В 1966 году Фабрика строчевышитых и кружевных изделий 8 Марта, основанная на базе этой Артели, направила первую партию своих декоративных изделий из льна в Швецию, а в 1967 году на Всемирной выставке в Монреале в Канаде представила более 20 изделий с вышивкой и кружевом. Продукция предприятия получила большую известность как в России, так и за рубежом и экспортировалась в 27 стран мира, в том числе в Японию, Англию, Францию, Швецию, Бельгию. Благодаря бережно сохраненным традициям и самобытному творчеству фабричных мастериц, предприятие и поныне остается крупнейшим в Кировской области. В Санкт-Петербурге на Всероссийской выставке «Осенняя неделя моды 2000» две коллекции Фабрики строчевышитых и кружевных изделий 8 Марта были награждены дипломом «За мастерство вышивки». Коллекции вышитых изделий, созданных на фабрике в разное время, сегодня находятся в Музее народного искусства, Государственном Русском музее, Государственном музее этнографии, Кировском областном художественном музее им. А.М. и В.М. Васнецовых, Кировском областном краеведческом музее, Советском краеведческом музее.
Павловопосадские платки
Первые павловопосадские шали в их традиционном виде были выпущены в 60-х годах XIX века предприятием, основанным в 1795 году зажиточным крестьянином села Павлово Иваном Лабзиным. В 1881 году его правнук Яков Лабзин получил звание поставщика Великой Княгини Александры Петровны, его торговый дом был награжден серебряными медалями Всероссийских художественно-промышленных выставок и пожалован правом изображения государственного герба на вывесках и этикетках. Колорит павлово-посадской шали строится на контрастах желтого, зеленого, красного и синего цветов, платок раскрашивается как с одной стороны, так и с двух, может иметь орнамент, более подходящий для ежедневного ношения или для особых случаев, праздников и выходов. У тончайшего, почти прозрачного полушерстяного платка на шелковой основе фон традиционно кремовый, черный, темно-вишневый или алый, орнамент представляет собой крупные цветы или букеты из садовых цветов, в основном роз. Плотные посадские шали из шерсти, как правило, раскрашены восточным узором пейсли и могут иметь как зеленый, так и синий фон. Раньше отыскать два идентичных павловских платка было практически невозможно, так как шали расписывались мастерами вручную. Современные художники создают эскиз, по которому изготовляется промышленный трафарет, и платок запускается в производство. В 1937 году с набивными платками с печатью в стилистике модерна и на тему индустриализации Старо-Павловская фабрика участвовала во Всемирной художественно-промышленной выставке в Париже. В 1958 году на Всемирной выставке в Брюсселе павловские платки были награждены Большой золотой медалью. Сегодня павловопосадские платки – излюбленный аксессуар модниц во всем мире – производятся в городе Павловском Посаде Московской области на ОАО «Павловопосадская платочная мануфактура».
Это интересно. А знаете ли вы, что Василий Грязнов (1816-1869), партнер основателя торгового дома «Яков Лабзин и Василий Грязнов», был… Святым. Фанатик своего дела, он сберег традиции создания павловопосадских платков, отдав жизнь популяризации этого истинно русского промысла, и был канонизирован в августе 1999 года Русской православной церковью как Праведный Василий Павлово-Посадский.
Оренбургские пуховые платки
Пуховязальный промысел зародился в Оренбургском крае давно – местное население разводило коз, с которых чабаны начесывали много пуха для обмена у крестьянок на продукты питания. Наладить пуховязальный промысел в крае местным казакам-переселенцам, которые быстро смекнули пользу от разведения этой породы коз, помог Петр Иванович Рычков – талантливый управленец, историк и географ, зачинатель экономической географии в России. Те не оплошали, и вскоре пуховые платки, связанные их женами, сестрами, тещами, бабушками и дочерями стали известны даже далеко за пределами Урала. Изделия казачек были нарасхват и на Парижской международной выставке 1857 года, а в 1862 году шесть платков казачки Марии Николаевны Усковой были мгновенно раскуплены на Лондонской выставке. Казачка даже получила медаль «За шали из козьего пуха». Вскоре в Англии стали продавать платки из козьего пуха – правда, с пометкой «Имитация под Оренбург». Французы же пошли дальше и закупили пуховых коз для разведения, но животные не прижились. В это время оренбургские пуховые палантины, шали и платки были на пике популярности – за ними охотились даже заокеанские модницы: в 1897 году на выставке в Чикаго оренбургские пуховые платки также получили медали. На родине их тоже отметили: на московской выставке художественной промышленности в 1882 году 2 из 6 платков – вязальщиц Усковой и Владимировой – были удостоены большим денежным вознаграждением: по 100 рублей за каждый. Это при средней цене на платок от 18 до 35 рублей! Конечно, промысел велся и в других губерниях – например в Пензенской, но по мастерству исполнения пензенские платки проигрывали оренбургским. С наступлением XX века изделия оренбурженок не потерялись и не раз выигрывали медали и призы не только на Всесоюзной выставке произведений декоративно-прикладного искусства у себя на родине, в СССР, но и становились фаворитами многочисленных международных выставок: Всемирных промышленных выставок в Канаде (1967) и в Японии (1968), Международных ярмарок в Алжире (1969) и Сирии (1975), в Греции (1976), во Франции (1977), в Англии (1979), в Испании (1981), в Индии (1982) и Германии (1985).
Победное шествие оренбургского платка продолжается и сегодня. Как и встарь, больше всего ценятся платки, связанные мастерицами сел Жёлтое и Шишма Саракташского района. В их паутинках обычно две трети пуха и одна - шелка. Сначала прядется плотная нить из козьего пуха, на которую затем напрядают шелковую (или хлопчатобумажную) нить-основу. Изначально не слишком пушистый, такой платок начинает пушиться в процессе носки. Качество настолько высокое, что носить его можно вечно.
Каслинское литьё
Истоки художественного литья Урала берут начало в небольшом поселке Касли, расположенном между красивыми озерами Иртяш и Большие Касли. История литейного промысла Касли начинается с 1747 года - с закладки чугунолитейного завода на речке Кургулак, берущей начало в Большом Каслинском озере. В XVIII веке на Каслинском железоделательном заводе отливали плиты для церковных и заводских полов, решетки, надгробья, статуи для парков, садовые вазоны, ограды, лестницы, а с 1813 года хозяйственные изделия и предметы быта — чайники, казаны, рукомойники, утюги, сковороды, печные дверцы. Неповторимый стиль знаменитого каслинского литья славился на рубеже XIX–XX веков не только в России, но и за границей. В 1840-х годах Касли завоевывают широкую известность художественными отливками с произведений выпускников Императорской Академии художеств Е.А. Лансере и П.К. Клодта, Н.И. Либериха и А.Л. Обера, Р.Р. Баха, Р.И. Баха, Ф.Ф. Каменского и многих других. На заводе работали талантливые скульпторы академической выучки - М.Д. Канаев и Н.Р. Бах, их ученики - В.Ф. Торокин, Д.И. Широков, самоучки К.Д. Тарасов, А.С. Мочалин, М.М. Игнатьев, М.И. Зацепин, Быковы, Тепляковы, А.П. Долгалин. Их работы отличало виртуозное мастерство и образность, основанная на глубоком понимании уральского колорита и знакомого с детства крестьянского быта. На Всемирной выставке в Париже в 1900 году Каслинский чугунный павильон работы петербуржских архитекторов Е.Е. Баумгартена и М.Л. Диллона, который представлял Касли в разделе «Горное дело и металлургия», получил Большую Золотую медаль и Гран-При «Хрустальный глобус» — высшую по тем временам награду. Сейчас павильон восстановлен по парижским фотографиям и находится в Художественном музее Екатеринбурга. Он по-прежнему поражает зрителей богатством декоративной орнаментики, дышащей фантазией и древними преданиями. В 1978 году «Каслинский чугунный павильон» по решению ЮНЕСКО отнесен к уникальным художественным памятникам мирового значения.
Финифть, чернение и скань
И сегодня ростовскую эмаль производства современной фабрики «Ростовская финифть» немедленного хочется взять в руки и рассмотреть плавные и размеренные линии тонкого узора. И неудивительно, ведь ремеслом издревле занимались наши предки. Секреты цветных эмалей были заимствованы мастерами Киевской Руси из Византии в XII веке. Перегородчатой и выемчатой эмалью, дополненной литьем и гравировкой, украшали посуду и церковную утварь. Во время монголо-татарского нашествия промысел был полностью утрачен, но возродился в XVI веке, когда были изобретены огнестойкие краски. В XVII веке украшения и посуду с финифтью стали производить в Москве и Сольвычегодске, а с начала XVIII века – в Петербурге и Ростове Великом. Ростовская финифть – яркое отражение души русского народа – ценится не только у нас, но и во всем мире. Эмали навсегда сохраняют свою чистоту, блеск и прозрачность цвета, не подвергаются, подобно другим видам живописи, загрязнению, воздействию света, влажности и температур.
Однако каждому ювелирному изделию требуется оправа. Традиционной оправой для филиграни всегда было черненая скань из серебра. Эмалевые украшения в такой оправе имеют наиболее законченный художественный вид. Центром ремесла был древний Чернигов еще в Х веке, позже, в XVI-XVII веках, черневая миниатюра распространилась по Северу и Сибири. В XVIII веке промысел переместился в Великий Устюг, где сложился свой стиль чернения – очень темная черневая гравюра на слегка углубленном золотом канфаренном фоне. Первые мастера скани заимствовали технику черневых узоров из книг и гравюр, дополняя орнаменты элементами славянского эпоса. Скань (от древнерусского «скать» – свивать), или филигрань, – ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной или медной проволоки, гладкой или свитой в веревочки – зародилась в Киевской Руси. Ажурные серебряные черненые украшения XI-XII веков, украшенные зернью, до сих пор отличаются высоким качеством. На XV-XVI века приходится расцвет московской скани, богато украшенной драгоценными каменьями, эмалью, деревом, резной костью. В XVIII-XIX веках процветает фабричное производство декоративной серебряной посуды, серебряной черненой церковной утвари, туалетных принадлежностей, в моду входят ажурные филигранные серебряные вазочки, подстаканники, миниатюрная скульптура, солонки, шкатулки со сканью и инкрустацией хрусталем и перламутром. Такие изделия выпускали на Красносельском ювелирном заводе в Костромской области и на Мстёрской художественной фабрике «Ювелир» (с 1937 года) во Владимирской области.
Ярославская майолика
Майолику создают из цветной глины. Покрытые белой эмалью с ручной росписью керамические изделия невероятно радостные, природные и теплые. Глиняные изделия покрывают двумя слоями глазури, сначала непрозрачной оловянистой, а следом прозрачной и блестящей с содержанием свинца. Роспись наносят на сырую глазурь, и только после этого подвергают изделие обжигу в печи при температуре почти 1000 °C. В Россию майолику завезли при Петре I голландцы и итальянцы. Благодаря разработке красной глины центр промысла возник в Ярославской области. Майолика ярославских умельцев прославились на весь мир и увековечена в произведениях русской архитектуры – на стенах и в интерьерах старинных купеческих домов, особняков эпохи модерна, храмовом зодчестве, и не только в Ярославле, но и в Москве, Петербурге, городах большого и малого Золотых колец России. Ярославская и гжельская майолика XVII-XVIII веков – изразцы печей и каминов, декоративные панно, расписная посуда и статуэтки – является достоянием многих музейных коллекций, а еще майолика – это интерьерная плитка и плитка для бассейнов, статуэтки, елочные игрушки, забавные фигурки, наконечники и колокольчики, подсвечники, шкатулки, вазы, кашпо, предметы интерьера, барельефы. Во всем мире ценится глазурованная керамика с росписью в традициях русского рисованного лубка с сюжетами из русских народных легенд и сказок. Благодаря колориту цветов и рельефным орнаментам, изображающих, к примеру, древних единорогов или птиц-сиринов, стиль русской майолики нашел отражение в картинах русских живописцев Серебряного века – Врубеля, Васнецова, Головина и Малютина. Знаменитыми мастерами нашего времени стали Алексей Егоров, гений изразца, творивший во второй половине ХХ века, и один из его учеников – Алексей Рыбин. Работы Рыбина украшают Даниловский монастырь, Музей Жуковского в Москве, Святые ворота, часовни и храм в Толгском монастыре, а восстановленную мастером изразцовую печь начала XVIII века в Ярославском музее-заповеднике не отличить от оригинала. Производством поливного изразца в Ярославле занимается и Мастерская ярославской майолики Натальи Павловой и Евгения Шепелёва. Художники расписывают наличники, декоративные панно, изготовляют монументальные и малые скульптурные изображения из майолики в русском стиле, а также вертепные скульптуры для партнеров из США. Все выпускаемые изделия – ручная работа: «Мне очень нравится, когда образ из головы превращается в конкретную вещь. Всегда хочется скорей посмотреть, в каком она виде будет, когда из печки выйдет», – говорит Наталья Павлова. И мы ей верим, ведь сложность майолики как раз и заключается в том, что во время обжига изначально нанесенные на поверхность керамики краски могут поменять свою цветность. И тогда образец разрушается и создается вновь. Промысел не бывает простым, хотя и выглядит порой вполне примитивно.
Дымковская и Филимоновская игрушка
Именно так – примитивно и просто – выглядят старинные русские керамические игрушки – Филимоновская и Дымковская. Филимоновской игрушке минуло 700 лет. Ремеслом занимались крестьяне в деревне Филимоново Одоевского района Тульской области, где залегает особая глина. После обжига она приобретает ровный белый цвет, не требующий последующей грунтовки. Обычно посудой в Филимоново занимались родители, а бабушки, дети и внуки лепили и расписывали свистульки в виде фигурок птичек, барынь, кормилиц, модниц, водоносок, нянек с младенцами на руках, всадников, коров, медведей и петухов. У фигурок людей Филимоновской игрушки маленькая голова, плавно переходящая в более массивные туловище и конечности, при этом и животные, и люди имеют выраженную талию. Дамы одеты в обязательную шляпку и платье с пышной юбкой, а кавалеры по силуэту похожи на дам и имеют толстые цилиндрические ноги, обутые в неуклюжие сапоги. Современные филимоновские игрушки мастера, как и встарь, расписывают красками малинового, зелёного, жёлтого цветов, при этом животные традиционно расписываются разноцветными полосками вдоль туловища и шеи зеленой и малиновой краской и каноническим орнаментом: солнышками, цветами и ветвями. Используют художники и «детский» стиль, старинные деревенские сюжеты. Производство встало в начале XX века, но нескольким местным мастерицам удалось сохранить секреты создания Филимоновской игрушки. В 1960-х годах усилиями искусствоведов и коллекционеров промысел был восстановлен во второй раз. В 2009 году при поддержке администраций Тульской области и Одоевского района и Тульской Торгово-промышленной палаты открылся Музей Филимоновской игрушки, а в 2013 году в городе Одоеве начали проводить ежегодный Одоевский фестиваль гончарного искусства и глиняной игрушки.
Не менее интересна и история Дымковской игрушки. Промысел существует более 400 лет и до сих пор не утратил своей популярности. Родиной Дымково является город Киров (ранее – Хлынов и Вятка), в состав которого входит Дымковская слобода. В XV-XVI веках к весеннему празднику Свистунья женское население слободы лепило свистульки из глины в виде коней, баранов, козлов, уток и других животных, потом фигурки красили в разные яркие цвета. Позднее промысел не только сохранился, но и получил дальнейшее развитие. В Дымково лепили, а потом пестро раскрашивали фигурки барынь и кавалеров, щеголяющих в пышных нарядах, одинарные и «коллективные». В начале 30-х годов прошлого века промысел был почти утерян, однако традицию Дымковской игрушки бережно сохранили местная мастерица А. А. Мезрина и художник А. И. Деныпин, первый исследователь дымковского искусства. Дымковскую игрушку легко отличить от прочих – как современная, так и старинная, она украшена орнаментом из геометрических фигур – кругов, полос, клеток, ромбов и зигзагов – и сусальным золотом (позолотой, бронзовой краской). Приверженцы промысла любят повторять, что не существует двух одинаковых игрушек. Промысел действительно не имеет серийного производства – каждая игрушка является ручной работой и имеет свой характер, уникальна и неповторима. Ведь дымковские мастерицы, у каждой из которых, безусловно, есть свой авторский почерк, не продумывают узор заранее, он рождается в процессе росписи, в зависимости от формы и размера фигурки.